贝歇夫妇的“类型学”摄影

贝歇夫妇的“类型学”摄影

贝歇夫妇介绍

伯恩和希拉·贝歇夫妇（Bernd and Hilla Becher）无疑是20世纪摄影史、乃至艺术史上最著名的夫妇。他们的生活与作品都围绕杜塞尔多夫艺术学院展开。1957年，他们在此相识，20年后在此任教。他们的学生安德烈·古斯基（Andreas Gursky）、托马斯·斯特鲁斯（Thomas Struth）、托马斯·鲁夫（Thomas Ruff）以及肯迪达·霍夫（Candida Hfer）等如今都是艺术市场的明星。










更重要的是，那令人不可思议的纪录乡村与工业建筑的事业，也从德国的这个地方起步。从1963年的第一场摄影展起，两人制定了共同的拍摄计划，并明确了拍摄范式，即大画幅、长焦镜头、黑白摄影、正面平拍，拍摄对象为水塔、煤气储备罐、青贮塔、高炉、工业用房、木筋房……他们将许多“无名”建筑抽出，置于严谨、简洁、纯描述性的构图中。













为了加强图像之间的一致性，甚至是同质性，贝歇夫妇只在灰蒙蒙的天空下拍摄，并以网格形式（通常是六张、九张或十二张）呈现同一主题的照片，建立了“类型学”摄影。他们的作品里没有人的出现，排除一切会引起美学解读的视觉吸引，通过冰冷的中立性建立起一部引人入胜的西欧工业遗产目录，包括德国、法国、荷兰、英国……1991年，贝歇夫妇荣获威尼斯国际艺术双年展雕塑金狮奖：他们的获奖有力说明了摄影得到当代艺术市场的认可。







范式的统一

贝歇夫妇的“类型学”从此刻在我们的视觉记忆里，每当看到水塔、青贮塔或其他工业建筑物，无法不想起他们。然而，除了拍摄工业风景的方式（以及他们学生的盛名），从摄影的本质认识他们的作品很有意思。他们拍摄过的“无名雕塑”数量惊人，并且坚持他们的摄影方法，令人肃然起敬。可是如果不单独欣赏这些照片，那就大错特错了，精准的拍摄角度及简单易懂的题材使照片迷人。他们的摄影具有无法抗拒的视觉冲击力，证明了光线本身没有好坏之分，应取决于拍摄主题本身。

对贝歇夫妇而言，一成不变的灰光线、无云朵、无阳光是最佳拍摄环境，有利于他们展现材质与形状的细微变化。看似中立的风格使被拍摄的地方完全脱离环境，从照片上既看不出环境，也无法知晓时间，使我们把目光集中到复杂机械的细节上。由此，我们认识到现实主义摄影具有惊人的抽象化能力。













与此同时，贝歇夫妇把“系列摄影”的概念推向极致。重复同一种图案不足以建立视觉统一，整体拍摄范式（构图、对焦、光线以及拍摄角度等）才是最重要的。今天，贝歇夫妇代表了主题摄影的力量和对构图的执着，他们还说明了看似中立的纪实风格在艺术性上绝不亚于耀眼、昏暗、浪漫的风格，或者说他们示范了即便不拍摄艺术照片，也能进入艺术史册。